Catálogo numérico de los alumnos de Terminale LLCER

Catálogo numérico de los alumnos de Terminale LLCER

El poder del arte en España "De la Guerra Civil a la Transición Democrática"

2020-2021

¡ Por las armas !

José-Pharah y Juliette

La Falange es un partido de extrema derecha que apoyó a los franquistas. Es una organización política española y nacionalista creada en 1933 por José Antonio Primo de Rivera, hijo del precedente dictador de España Miguel Primo de Rivera. La ideología de la Falange es el facismo inspirado del de Italia y el nacional sindicalismo o falangismo que se caracteriza por la unidad de la patria, la justicia social y la preeminencia del cato listo.Su símbolo el yugo y las flechas fue el escudo para la monarquía de Fernando e Isabel, y los monarcas católicos. Representa una España unida, idea clave de la Falange y fue el "símbolo de las virtudes heroicas de " la raza". José Antonio Primo de Rivera

Juan Cabanas, autor de este cartel que fecha de 1938, un año antes del fin de la guerra civil. El cartelista Cabanas hizo muchos carteles para la Falange durante la guerra civil española. Por cierto fue nombrado jefe de la sección plástica de prensa y propaganda.

La mano no tiene identidad así que cualquier persona puede identificarse a esta mano, puede sentirse capaz de tomar las armas y de ir al combate para defender su país. Además esta mano parece decidida, lista para enfrentarse a quién quiere oponerse.

El eslogan "la patria, el pan y la justicia"es un eslogan muy famoso de la guerra civil. Fue creado por Ramiro Ledesma pero fue popularizado por unas palabras de José Antonio Primo de Rivera. En efecto tuvo un discurso a propósito de los tres pilares básicos diciendo : " La España del pan para el obrero y de la justicia para todos si que merece todos los sacrificios. Con disputados, sin disputados o contra los disputados la tendremos. Y entonces si que cerramos el paso a quién pretenda destruirla ; pero no con nuestros votos, sino con nuestros brazos, con nuestros pechos, con nuestras armas". La frase apareció primero en "La conquista del Estado " y se vuelvo como expresión entera de un contenido espiritual y humano.La patria alude al patriotismo, el orgullo de España.El eslogan sirve para transmitir el mensaje de que las armas son necesarias para defender y proteger España, obtener la justicia et alimentar al pueblo. El cártel con el eslogan tiene como meta alcanzar a los obreros quienes sufren de la guerra, los que tienen un sentimiento de injusticia y por fin los españoles quienes desean la grandeza de su país.

¡ No pasarán !

Lola y Samuel

Sombrero de hombre

Sombrero de mujer

Dolores Ibárruri Gómez (1895-1989) Primera persona en utilizar el eslogan "¡No pasarán!" en la radio el 17 de julio de 1936

Rifles de asalto

Cinturón de municiones

Un soldado que anima a sus compañeros de guerra.

Mirada concentrada

Sin título - Carmen Calvo (1969)

Andréa, Maïwenn, Zoé

Una mujer está desnuda, amputada y sostenida por el pelo como si fuera una muñeca, el juguete de los hombres. En una sociedad machista en la cual la dominanción masculina persiste, las mujeres son amordazadas/silenciadas. Viven bajo el yugo de los hombres. La mujer debía estar bajo sumisión. En el ámbito pictóricol, existen prototipos. Asi, la realdad no está bien representada. Quieren luchar para eliminar el falso mito de canones de belleza. La mujer tiene una mirada negra y un cuerpo que parece destrozado como si fuera violentada. Parece casi muerta hasta tal punto que no se parece a ser un humano con sentimientos. Sus miembros están amputados. Podemos interpretarlo como un medio de testimoniar que la mujeres fueron censuradas, impidiéndoles expresarse. Los brazos pueden simbolizar la libertad de actuar, de combatir contra una causa. Podemos deducir que durante la dictadura de Franco, las mujeres fue represaliadas y oprimidas. El cuerpo de la mujeres constituía un medio de marcar un castigo en la esfera pública. Además, podemos deducir que la mujer es deshumanizada ya que está desnuda y el hombre la sostiene por el pelo como si no fuera humana sino solo un objeto. Su mirada parece vacía como si la vida ya no tiene sentido ya que es sinónimo de dolor y sufrimiento. Sus brazos están cortados, significa que la mujer ya no puede defenderse está sujeto al hombre. Podemos deducir que esta pintura muestra las inegualdades de potencia entre los hombres y las mujeres durante la dictadura de Franco. En efecto, la mujer que representa a todas las mujeres de aquella epoca ya que no tiene vestidos ni expresión en su rostro está representada como indefensa y inferior al hombre o mejor dicho como un objeto manipulado por los hombres.

El último plano es particular ya que se divide en dos partes el cielo y el suelo. Los colores se oponen y de destacan dell primer plano. El color rojo del suelo remite a la sangre y más precisamente a la sangre de la mujer ya que fue descuartizada.Notamos dos tonos de rojo que dan un sentimiento de profundidad a la escena. El charco de sangre puede aludir también a los estragos de guerra de los franquistas hacia las mujeres. En la otra parte del último plano podemos observar un cielo con nubes y al contrario del charco de sangre, se desprende del cielo un sentimiento de paz y de tranquilidad. Pensamos que el cielo representa el silencio después de los desastre de la guerra y después de los gritos de las masacres. Al fin y al cabo, nos percatamos de que el último plano es importante en la comprensión de esta pintura puesto que simboliza la violencia de dos maneras, con la sangre en la acción y con el cielo después de la acción en la tristeza y la queja.

Mientras que el hombre responde con sus manos, la violencia. De su mano derecha sostiene un arma y de su mano izquierda cuelga una mujer. La superioridad masculina es omnipresente. Primero en la posición del hombre, seguro de sí mismo al contrario de la mujer. Entonces, la dominación masculina paraliza a las mujeres incapaces de expresarse. No tiene lugar en la sociedad como si fueran objetos. Está suspendida en el vacío y sujeta por la simple fuerza de un hombre. El hombre puede representar a un soldado de guerra ya que tiene una arma y unos binoculares ¿quizás para observar al enemigo? Se pone de pie y parece ser un hombre carismático. Su rostro parece muy duro y mira a la derecha como si quisiera ser notado y como si la mujer representara un trofeo para él. No tiene sentido puesto que sostiene a la mujer por el pelo sin piedad.

Carmen Calvo Poyato nació en 1950 en Valencia. Es una artista contemporánea española, famosa por su pluralidad de formales y técnicas inspirada por el mundo del arte internacional. Podemos decir que es una de los referentes de la creación contemporánea. Hizo estudios de publicidad e ingreso en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia para terminar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes hasta 1972. En los años 80 disfrutó de varias becas y ganó premios importantes : Primer Premio de Pintura Lasalle y Premio Alfons Roig de la Diputación de Valencia. En 1980, participó también en la exposición "New images from Spain" en el Museo Guggenheim de Nueva York y en otras ciudades de Estados Unidos. Además participó dentro de la primera edición de la Feria de arte contemporáneo de Madrid, ARCO, en 1982 con la Galería Fernando Vijande. En 1985, recibió una beca y se traslada en París. Luego, desarrolló su obra entre Paris, Madrid y su ciudad natal, Valencia. Y en 2013, recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas y fue nombrada en 2014 académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.

La pintura fecha de 1969 es decir durante la dictadura de Franco que duró de 1939 hasta 1975. Además 1969 es la fecha de proclamación del rey Juan Carlos como sucesor de Franco. Esta epoca fue una epoca de censura, significa que Carmen Calvo corría riesgos con su cuadro que denuncia las violencias hacia las mujeres ya que burla la censura. Podemos decudir que Carmen Calvo es una artista comprometida y se rebeldía contra el poder autoritario de los franquistas. Frente a una sociedad desigual y injusta, los artistas de aquella epoca pueden luchar utilizando las armas de su talento y de su arte para denunciar los abusos, las desigualdades y las injusticias.Durante la Guerra Civil (1936-1939), según avanzaban las tropas franquistas se instalaba una forma represiva que afectaba a hombres y mujeres de diferentes maneras.En aquella época eran demonizadas y desacreditadas, llegando incluso a encarnar la figura del diablo.Quizas el cuadro represente a una mujer republicana mientras que el hombre sea un soldado franquista que participaba en la represión contra las mujeres.Durante la posguerra se instaló en el país un absoluto control social. Todo el mundo estaba vigilado y cualquiera que hubiera colaborado con los vencidos podía ser detenido, Las mujeres vivieron esta persecución constante de una manera especialmente dolorosa y cruel. La meta fue cosificar y deshumanizar a quienes los vencedores consideraban el germen de la «maldad» republicana. Nos damos cuenta de la profunda humilacion física y psíquica que padecieron miles de mujeres durante este periodo. Les rapaban el pelo a cero de las mujeres como una manera de humillarlas.

Este cuadro permite denunciar las desigualdades de género y también permite pedir un reparto más justo de las tareas domésticas y sobre todo, ser libres.Esta pintura nos hace conscientes de la violencia hacia las mujeres durante la dictadura de Franco. En efecto, hablamos muchos de las violencias de los franquistas hacia los republicanos pero la violencia contra las mujeres estaba escondido y se quedó en silencio. Es depués de estas denunciaciones que la emancipación femenina puede empezar con el movimiento contracultural de la movida madrileña.

Podemos relacionar el cuadro con los obras siguientes : -Las películas de Almodóvar que simbolizan la emancipación de las mujeres y, en este sentido, se oponen a esta imagen de mujer amordazada, censurada, dependiente y sumisa durante la dictadura de Franco.- La imagen de la mujer está siempre limitada a su papel de madre. En efecto, las contemporáneas de Carmen Calvo como Julia Minguillón o Rosario de Velasco pintaron mujeres que siempre alzan a su hijo.Estas dos imagenes muestran es papel que desempeñaron las mujeres durante este periodo : fueron ante todo madres que debieron occuparse de sus niños.Cabe preguntarse: ¿Que es la intención y el objetivo tras ese gesto cruel e inhumano que se sirve del cuerpo de la mujer para demostrar el poder de quienes lo ejercen?https://elpais.com/politica/2018/03/05/actualidad/1520255765_087307.html (articulo que explica la emancipación de las mujeres)La mujer bajo el franquismo

https://www.youtube.com/watch?v=K9ktzmRLNKU

El beso - Ouka Leele (1980)

Juliette, Marion, Selena

El beso, Ouka LEELE

Fue una de las protagonistas principales de la Movida madrileña. La movida madrileña es un movimiento contra cultural que nació después de la muerte de Francisco Franco en 1975 durante la transición democrática hasta los años 80. Sus primeros trabajos fueran publicados en un libro titulada "Principio, 9 jóvenes fotógrafos españoles " en 1978 y habitualmente sus fotos eran en negro y blanco. Y después pinta las fotos normalmente con acuarelas sino nunca hay fotomontajes. En 2005, recibió el Premio Nacional de Fotografía. Durante su carrera, sus fotos han sido exhibidas en varias ciudades importantes como : París, Londres, Tokio, São Paulo, Tel Aviv, Shanghái, Beijing, Roma, Buenos Aires, Colonia o Nueva York.

De su verdadero nombre Bárbara Allende Gil de Biedma es una artista, pintora, poeta y fotógrafa española. Nació el 29 de junio del año 1957 en madrid.

Ouka Leele

Al fin y al cabo, podemos hablar de « regreso » de la libertad. Una libertad que había desaparecido durante el régimen dictatorial de Franco que terminó en 1975 después de la muerte del general. Durante la dictadura, el arte y la libertad de expresión estaban controlados. Después de la muerte del general, apareció un fenómeno artístico : « la movida madrileña » que consitaba en promover la creatividad, la libertatd y un hervidero cultural. Con « el beso », Ouka Leele contribuyó a la reaparición de la libertad artística. En efecto , podemos observar los colores muy vivos y la presencia de un hombre y una mujer besándose. La idea de beso entre un hombre y una mujer era imposible durante la dictadura pero Ouka Leele le dijo a la gente lo que era el amor. Mostró que podíamos besarnos, que no estaba prohibido.

Las dos personas se miran en los ojos. Lo que puede ser muy sensual cuando dos personas se miran en los ojos durante un beso.

Los colores son llamativos. Es una foto que la fotógrafa retoca poniendo colores. Los colores de su foto hace referencia al movimiento madrileño, a la que ella pertenece y muestra que es una artista comprometida.

El beso entre estos personas es muy extrano. La manera donde es representado el beso parece inabitual, en efecto es un beso forzado. Podemos verlo con el instrumento que tirando sus bocas.

Madrid - Ouka Leele (1984)

Camille, Inès, Valentine

Proceso artístico * La artista toma una foto en blanco y negro * Colorea sus instantáneas, aunando pintora con la fotografía. * No hay fotomontajes: Ouka Leele planea una escenificación antes de tomar la foto * Utiliza una combinación de elementos pop y neodadaístas, con una gama de colores ácidos e intensos y colores eléctricos * Trabajo a medio camino entre la fotografía y la pintura. * Peculiaridad de su enfoque: desviar la fotografía de su función habitual - reproducir la realidad - y utilizarla como un dibujo preparatorio para una pintura.

La artista * Bárbara Allende Gil de Biedma, es artista, pintora, fotógrafa y poeta. * Principio de su carrera en 1976 * Obras que se exponen en España, Europa, Estados Unidos y Japón, Corea, Francia, Inglaterra e Italia * Una artista extravagante, quien ha influenciado la fotografia europea * 2005: recibió el Premio Nacional de la Fotografia, España * A partir de los años ochenta, empezó a firmar sus obras como Ouka Leele, pseudónimo sacado de un mapa de estrellas inventado por El Hortelano, un pintor español que desempeñó un papel clave durante la movida madrileña, al lado de artistas tales como Ouka Leele o Pedro Almodóvar.

Chuleta Lo que llama la atención es la carne que la mujer saca de una caja como si fuera un regalo. Parece muy feliz de haber recibido o comprado un trozo de carne. La carne puede aludir a la sociedad de consumo. En efecto, durante este periodo, la gente consume productos cada vez más diversificados, productos de calidad, y consume más y más. Desde la guerra y la dictadura, los habitantes necesitan gozar de la vida, comprando productos, y consumiendo alimentos tal como la carne, que forma parte de los productos "procesados", productos de calidad. Ouka Lelee destacó elementos importantes coloreándolos de rojo : la carne que es el elemento principal , ya que es el objeto de consumo; la caja que contiene la carne, el lápiz labial de la mujer, símbolo de feminidad y elegancia, y la cortina que puede aludir a la elegancia. Los colores parecen híbridos, burlescos, inusuales.

El trasfondo A primera vista, podemos pensar que la obra es un retrato de una mujer ya que tiene un lugar central en la fotografía, pero el título de esta obra nos invita a mirar el trasfondo del cuadro, que representa una calle de Madrid. El Edificio Metrópolis es un edificio famoso que se sitúa en el cruce de la calle de Alcalá y la Gran Vía. Madrid es la ciudad donde nació la movida madrileña, un movimiento artístico del que Ouka Leele es una figura importante. Los colores de la calle han sido cambiados de los reales. En efecto, cada elemento de la calle tiene un color diferente ( hace pensar en un trasfondo artificial, irreal ) . Sorprende que el cuadro se titule "Madrid" porque la ciudad está en el fondo. Una vez pintada, la ciudad parece artificial, un producto de la imaginación de Ouka Leele. La cortina roja arriba a la izquierda es un telón de teatro: Madrid parece ser un escenario de teatro, irreal

Contexto La corriente artística de Ouka Leele es la movida madrileña, un movimiento contracultural que apareció como una revolución del arte contemporáneo. En efecto, nació en Madrid y más precisamente, en el barrio de Malasaña, un verdadero hervidero cultural. Ouka Leele fue una de los principales jefes de fila de este movimiento artístico de modo que se hizo famosa merced a eso, notamente con la serie artística "Peluquería", en la que fusionó pintura y fotografía para crear su propio sistema de comunicación, aplicando acuarela a imágenes en blanco y negro. Esta pintura pertenece a esta corriente artística ya que reconocemos los colores llamativos propios de la Transición Democrática. De hecho, las obras de Ouka Léele aparecen después de la desaparición del dictador Franco. Muchos artistas, después de un período de opresión y censura en el que el arte se regía por la propaganda, se liberaron y crearon obras sorprendentes, a veces grotescas y absurdas. Estas obras se encuentran en los campos de la música, el cine, la pintura... Madrid puede aparecer entonces como una liberación, una obra en la que el artista puede expresarse plenamente y hacer lo que le gusta: colores brillantes, aspecto superficial de la mujer.No obstante, si la movida madrileña promueve la creatividad y la libertad, es relevante recalcar el deseo de Ouka Leele por hacer hincapié en la plaza de la mujer en una sociedad patriarcal, donde la igualdad de género no fue respetada. En efecto, a partir de los años 70, la sociedad patriarcal y una serie de ideas preconcebidas sobre el papel de la mujer a quedarse en su hogar así como hacer las tareas domésticas y cuidar de los niños se implementó. Esta temática hace referencia a la obra : la mujer solo parece servir para dar una buena imagen de la mujer, es decir la mujer objeto. En resumidas cuentas, podemos adivinar que Ouka Leele se compromete en la lucha contra este sistema sexista pero también insistiendo sobre la exageración de la idealización de una mujer hermosa, sin posibilidad de emanciparse en la sociedad

La mujer Ouka Lelee ha mantenido los colores naturales de la mujer, acentuando ciertos elementos como el pelo, el maquillaje a ultranza sobre los pómulos, los ojos azules... a fin de poner de relieve los rasgos de la mujer así como su feminidad. Esta imagen de la mujer nos muestra que, durante aquella época, las mujeres eran coquetas y se cuidaban,ya sea a través del maquillaje, la peluquería o la ropa. Es la emancipación y libertad de la mujer, de la que fue privada durante la guerra. La mujer tiene una pose típica de las publicidades que aparecen al principio del consumo excesivo. Su sonrisa parece forzada, muy superficial. Tenemos la impresión de que la mujer no tiene sentimientos, ni alma en este fotografía, no parece natural. La belleza de las mujeres se utiliza a menudo en la publicidad para atraer al consumidor a comprar: la obra se parece a una publicidad para incitar a comprar carne. La mujer es un extra, durante este período de consumo masivo, se utiliza como medio, como objeto para hacer que la gente en Madrid quiera comprar productos. Por eso la mujer y mas precisamente su imagen , desempeña un papel relevante en la sociedad de consumo.

¡ Gracias por vuestra dedicación !

Lycée La Bruyère, VersaillesProfe A. Largeau